Obras de arte que ver en Italia
No bastaría una vida para descubrir todas las obras de arte que Italia custodia. Nuestro país es un cofre de tesoros que han atravesado los siglos y superado fronteras. Las obras maestras del arte italiano hoy son conocidas en todo el mundo y merecen ser conocidas sobre todo por los italianos.
La lista de obras de arte que ver en Italia sería infinita, por lo que hemos elegido 15 obras maestras que no te puedes perder en un hipotético tour por la península.
Obras de arte que ver en Italia
Nacimiento de Venus, Botticelli - Galerías de los Uffizi, Florencia
La Nascita di Venere de Botticelli es una obra icónica del Renacimiento italiano. El célebre cuadro representa la llegada a la isla de Chipre de la diosa del amor y la belleza, nacida de la espuma del mar y empujada por los vientos Céfiro y, quizás, Aura. La diosa está de pie sobre una concha, pura y perfecta como una perla. La acoge una joven mujer, identificada con una de las Gracias o con la Hora de la primavera, que le ofrece un manto cubierto de flores. El tema del cuadro, que celebra a Venus como símbolo de amor y belleza, fue quizás sugerido por el poeta Agnolo Poliziano. La obra fue probablemente encargada por la familia Medici. Botticelli toma inspiración de estatuas de época clásica para la actitud pudorosa de Venus, que cubre su desnudez con sus largos cabellos rubios, cuyos reflejos de luz se obtienen mediante la aplicación de oro; también la pareja de los Vientos que vuela abrazada es una cita de una obra antigua, una joya de la época helenística poseída por Lorenzo el Magnífico. La Venus de Botticelli se ha convertido en un canon de belleza femenina universal.
La Primavera, Botticelli - Las Galerías de los Uffizi, Florencia
La Primavera es el símbolo del renacimiento de la naturaleza a través del amor. La pintura de Botticelli muestra nueve figuras de la mitología clásica que avanzan sobre un prado florido, en un bosque de naranjas y lauros.
Al leer la obra de derecha a izquierda, se ve en primer plano a Céfiro abrazando y fecundando a la ninfa Clori, representada poco más allá en forma de Flora, diosa de la florecimiento. Dominan el centro de la composición, ligeramente retrocedidos, la diosa del amor y la belleza Venus, modestamente vestida, y Cupido, representado vendado mientras lanza la flecha del amor. A la izquierda, las tres Gracias danzan en círculo, divinidades menores benéficas cercanas a Venus. Cierra la composición Mercurio, el mensajero de los dioses, con casco y sandalias aladas, que roza con el caduceo una nube. Aunque el complejo significado de la composición sigue siendo misterioso, la obra celebra el amor, la paz, la prosperidad. La vegetación es cuidadosamente representada por Botticelli, quien parte de una atenta observación de la realidad. En el solo prado se han reconocido unas 500 especies de plantas y flores. La tabla fue pintada para Lorenzo de' Medici, quien la colocó en su villa de Castello.
David, Miguel Ángel - Galería de la Academia, Florencia
Giorgio Vasari, pintor, arquitecto e historiador del arte italiano, describió el David de Miguel Ángel como la escultura más hermosa jamás realizada. La obra representa al héroe bíblico en el momento antes de enfrentarse a Goliat. La comisión de la obra fue encomendada a Buonarroti por los trabajadores de la Catedral de Florencia el 16 de agosto de 1501, por un pago de 400 ducados. Después de tres años de trabajo, Miguel Ángel presentó la enorme escultura de 5,17 metros de altura y más de cinco toneladas de peso que suscitó desde el principio admiración y asombro. Entonces se decidió reunir una comisión de artistas, de la que también formaba parte Leonardo da Vinci, para decidir dónde ubicar la obra maestra.
El 25 de enero de 1504 la comisión decidió que el David debía ser colocado en la entrada del Palazzo Vecchio, como emblema de la fuerza e independencia de los florentinos. El 8 de septiembre de 1504 la estatua fue revelada a la ciudad, suscitando la admiración de todos.
Originalmente algunas partes estaban doradas: una guirnalda en la cabeza, el tronco detrás de la pierna derecha y la honda. Hoy el David se encuentra en la Galería de la Academia.
Última Cena, Leonardo da Vinci - Refectorio de Santa María de las Gracias, Milán
La Última Cena, también conocida como El Cenáculo, pintada entre 1494 y principios de 1498, es considerada la pintura mural quizás más importante del mundo, definida por Giorgio Vasari en sus Vidas como "cosa bellísima y maravillosa". Pintor, arquitecto, escultor, ingeniero, inventor, matemático, anatomista, escritor, Leonardo da Vinci encarna el ideal de hombre polifacético soñado por el Renacimiento italiano. El Cenáculo es quizás el testimonio más completo de su ingenio multifacético, de su deseo de experimentar, de su inagotable curiosidad. En el periodo en que trabaja en la pintura, el último decenio del Quattrocento, Leonardo está, de hecho, comprometido en estudios sobre la luz, el sonido, el movimiento pero también sobre las emociones humanas y su expresión. De estos intereses encontramos relación en el Cenáculo, donde, más que quizás en cualquier otra de sus obras, es evidente la atención de Leonardo por la representación, a través de posturas, gestos, expresiones, de lo que él mismo llamaba los "movimientos del alma".
Desde septiembre de 1980 El Cenáculo, junto a la Iglesia y el Convento Dominicano de Santa María de las Gracias, han sido declarados por la Unesco Patrimonio de la humanidad. Entre las motivaciones se dice que "El Cenáculo ha ejercido una influencia considerable, no solo en el desarrollo de un tema iconográfico sino también en el destino de la pintura", y por último "no es exagerado afirmar que su realización ha abierto una nueva era en la historia del arte". La obra se puede visitar con reserva debido a las numerosas solicitudes.
Creación de Adán y el Juicio Final, Miguel Ángel - Capilla Sixtina, Museos Vaticanos, Roma
La Creación de Adán es probablemente el fresco más famoso de la Capilla Sixtina, realizado por Miguel Ángel en 1511 y situado en el techo. Miguel Ángel se inspiró en la frase de la Biblia: "Dios creó al hombre a su imagen; / a imagen de Dios lo creó" (Génesis 1, 27).
El episodio de la creación del hombre, por lo tanto, tiene como punto focal el contacto entre los dedos del Creador y los de Adán, a través del cual se transmite el soplo de la vida. Dios, sostenido por ángeles en vuelo y envuelto en un manto, se extiende hacia Adán, representado como un atleta en reposo, cuya belleza parece confirmar las palabras del Antiguo Testamento, según las cuales el hombre fue creado a imagen y semejanza de Dios. Hacia finales de 1533, Clemente VII de' Medici (pontífice desde 1523 hasta 1534) encargó a Miguel Ángel que modificara aún más la decoración de la Capilla Sixtina pintando en la pared detrás del altar el Juicio Universal.
En este fresco, Miguel Ángel quiso representar el glorioso regreso de Cristo a la luz de los textos del Nuevo Testamento. El artista comenzó la grandiosa obra en 1536 y la completó en el otoño de 1541. Miguel Ángel, utilizando sus extraordinarias capacidades artísticas, ha hecho de la Capilla Sixtina "el santuario de la teología del cuerpo humano", dijo luego Juan Pablo II. Esta magnífica composición se centra en la figura dominante de Cristo, capturado en el momento que precede el momento en que se emitirá el veredicto del juicio. Junto a Cristo está la Virgen, que gira la cabeza en un gesto de resignación: ella, de hecho, no puede intervenir más en la decisión, solo esperar el resultado del juicio. También los santos y los elegidos, dispuestos en torno a las dos figuras de madre e hijo, esperan ansiosos conocer el veredicto. En la banda inferior, en el centro, los ángeles del apocalipsis despiertan a los muertos al sonido de las largas trompetas; a la izquierda los resucitados ascienden hacia el cielo recuperando los cuerpos, a la derecha ángeles y demonios compiten por precipitar a los condenados en el infierno. Finalmente, en la parte inferior Caronte a golpes de remo, junto a los demonios, hace descender a los condenados de su embarcación para llevarlos ante el juez infernal Minos, con el cuerpo envuelto en las espirales de la serpiente.
Paulina Borghese Bonaparte como Venus Victoriosa, Antonio Canova - Galería Borghese, Roma
La obra fue encargada en 1804 a Antonio Canova por el príncipe Camillo Borghese en honor a su joven esposa, hermana menor del emperador Napoleón Bonaparte. No sin causar cierto escándalo entre los contemporáneos, la princesa vistió las apariencias de la diosa Venus, victoriosa en el juicio de Paris, para exaltar su rango social y dinástico y su celebrada belleza.
Paulina yace semidesnuda sobre un diván de madera pintada, decorado con inserciones doradas, mientras presenta entre sus delicados dedos la manzana, atribuida a la diosa como señal de reconocimiento de su supremacía entre las divinidades femeninas. La gracia antigua y el artificio compositivo se combinan con la representación naturalista, casi pictórica, de los suaves tonales de piel y de los ligeros velos que cubren sus caderas. Paulina Borghese es una obra maestra de la escultura neoclásica de Canova, expuesta en la Galería Borghese de Roma. Sin embargo, hay que ir al museo del Louvre de París, en cambio, para ver la escultura más celebrada de Amor y Psique.
Robo de Proserpina, Gian Lorenzo Bernini - Galería Borghese, Roma
La escultura representa el rapto de Proserpina a manos de Plutón, dios de los Infiernos.
El mito, presente tanto en Claudiano (De raptu Proserpine) como en Ovidio (Las Metamorfosis), narra el rapto de la joven a las orillas del lago de Pergusa, cerca de Enna. La madre Cerere, diosa de las cosechas, loca de dolor, redujo a sequía la tierra, obligando a Júpiter a interceder ante Plutón para permitir que la joven regresara con ella durante seis meses al año. Bernini representa el momento culminante de la acción: el dios feroz e insensible está arrastrando a Proserpina al Hades, los músculos están tensos en el esfuerzo de sostener el cuerpo que se está debatiendo, tanto que las manos de Plutón hunden en su carne. Al realizar la obra, Bernini observa el virtuosismo de los escultores de época manierista. A la verdad de la acción, buscada a través del profundo estudio de los modelos antiguos, Bernini combina la fuerza plástica, la intensidad expresiva de la joven, y la libertad de la invención llevada hasta rozar los límites físicos del mármol.
Los frescos de Giotto en la Capilla de los Scrovegni, Padua
La Capilla de los Scrovegni de Padua acoge los célebres frescos de Giotto, considerados una obra maestra de la pintura del Trecento italiano y europeo. Es el ciclo más completo de frescos realizado por el gran maestro toscano en su madurez, presumiblemente entre 1303 y 1305.
El ciclo pictórico se despliega sobre toda la superficie interna de la Capilla y se compone de 39 episodios de la vida de la Virgen y la vida de Cristo, frescados dentro de paneles a lo largo de las naves y el arco triunfal. La pared entera de la contra-fachada está ocupada por el majestuoso juicio universal, al que se llega siguiendo la secuencia de las 14 figuras con los vicios y las virtudes en la franja inferior de las paredes. La decoración pictórica ocupa también la bóveda, donde está pintado el cielo estrellado marcado por tres bandas decorativas.
Cristo Velado, Giuseppe Sanmartino - Capilla Sansevero, Nápoles
El Cristo Velado es una perla de la escultura barroca, realizada por el artista napolitano Giuseppe Sanmartino en 1753. Es considerado una de las más grandes obras maestras de la escultura de todos los tiempos que desde el '700 atrae a viajeros ilustres, entre ellos Antonio Canova, el marqués de Sade, el escritor argentino Héctor Bianciotti y Riccardo Muti entre los últimos. Es una estatua de mármol esculpida a tamaño natural, que representa a Jesús Cristo muerto, cubierto por un sudario transparente realizado del mismo bloque de la estatua. La particularidad es precisamente la transparencia del velo que parece posado sobre el cuerpo de Cristo, pero en realidad es solo el fruto de la hábil mano del artista.
Durante siglos, sin embargo, se ha creído erróneamente en un proceso alquímico de marmorización del sudario, llevado a cabo por el príncipe de Sansevero, comisionado de la obra con la renombrada fama de alquimista. La vena abultada y aún palpitante en la frente, las heridas de los clavos en los pies y manos delgadas, el costado excavado y relajado en la muerte son signos de la intensa búsqueda de Sanmartino. La maravillosa escultura es, por lo tanto, una evocación dramática, que convierte el sufrimiento de Cristo en símbolo del destino y redención de toda la humanidad.
Los Bronces de Riace - Museo Arqueológico Nacional de Reggio Calabria
Los Bronces de Riace, considerados entre los testimonios más significativos del arte griego clásico, son dos estatuas de bronce que representan a dos hombres desnudos, originalmente armados con escudo y lanza, convertidos en símbolo de la ciudad de Reggio Calabria. Los Bronces, hoy expuestos en el Museo Arqueológico de Reggio Calabria, fueron encontrados en 1972, en excepcional estado de conservación, en el fondo del mar Jónico, cerca del municipio de Riace Marina, por un apasionado buzo durante una inmersión a unos 200 metros de la costa y a una profundidad de 8 metros.
Las hipótesis sobre la procedencia, la datación y los autores de las estatuas son diversas. Se supone que los Bronces fueron arrojados al mar durante una tormenta para aligerar el barco que los transportaba o que la propia embarcación se hundió con las estatuas. De 1,98 y 1,97 metros de altura y con un peso de 160 kg, las estatuas probablemente datan de mediados del siglo V a.C. y fueron seguramente ejecutadas en Argos, en el Peloponeso.
Baco, Caravaggio - Galerías de los Uffizi, Florencia
La pintura se inserta en la serie juvenil de las medias figuras pintadas por Caravaggio "en claro" que incluye obras como el Fruttaiolo, expuesto en la Galería Borghese en Roma, el Niño mordido por el camaleón de la Fundación Longhi en Florencia, el Canasto de frutas de la Pinacoteca Ambrosiana en Milán. Caravaggio, protagonista en Roma en la primera década del Seicento de una revolución en la pintura que invadió toda Europa, ostenta en esta obra una magistral realización naturalista del mundo vegetal. Sorprendente la representación de la cesta de frutas y de la copa de vino ofrecida por el Dios, entendida por algunos estudiosos como una invitación horaciana a la vida frugal, a la convivencia y la amistad. La escultural figura de Baco, con expresión aturdida por el vino, está inspirada en los modelos del arte clásico, en particular en los retratos de Antínoo, y parece impregnada de una sensualidad lánguida. Mina Gregori ha leído en ella una particular visión de la antigüedad que clama por la libertad de los sentidos y una referencia a los ritos iniciáticos y a los disfraces bacchicos que se practicaban en Roma. La obra data de la etapa juvenil del pintor, cuando se encontraba en Roma bajo la protección del cardenal Francesco María del Monte. Esta pintura, junto con la Medusa, fue donada por el Cardenal del Monte a Ferdinando I de' Medici con ocasión de la celebración de las bodas de su hijo Cosimo II en 1608.
La Piedad, Miguel Ángel - Basílica de San Pedro, Roma
La Piedad fue realizada entre 1497 y 1499 y se considera la primera obra maestra de Miguel Ángel, así como uno de los mayores ejemplos del arte occidental. La escultura representa a la Virgen María que sostiene entre sus brazos a Cristo muerto.
Tradicionalmente, la escena se representaba con cierta rigidez, pero Miguel Ángel le otorgó una naturalidad y fluidez sin precedentes, con las dos figuras que se funden, en una conmovedora intimidad, dando vida a una particular estructura piramidal, basada en las amplias vestiduras de María. La saliente rocosa sobre la que se sienta la Virgen representa el monte Calvario. Inicialmente ubicada en la Capilla de Santa Petronila, luego fue trasladada a la Basílica de San Pedro en el Vaticano en 1517.
La Éxtasis de Santa Teresa de Ávila, Bernini - Iglesia de Santa María de la Victoria, Roma
La Éxtasis de Santa Teresa de Ávila es una escultura en mármol y bronce dorado, realizada por Gian Lorenzo Bernini entre 1645 y 1652 y ubicada en la capilla Cornaro, situada en la iglesia de Santa María de la Victoria en Roma. La escultura representa a Santa Teresa de Ávila semitendida sobre una nube que la transporta hacia lo alto, al cielo. Sobre ella, a la izquierda, un querubín lanza un dardo para herir a la santa en el corazón, moviendo el tejido de su vestido. Santa Teresa, además, lleva un hábito muy amplio y vaporoso, agitado por el viento. Finalmente, su cuerpo está completamente abandonado y su rostro muestra una expresión lánguida. Los ojos cerrados luego están dirigidos al cielo y los labios entreabiertos. Bernini se inspiró en un pasaje de los escritos de la santa que describe una de sus experiencias místicas, definidas como éxtasis celeste (Santa Teresa de Ávila, Autobiografía, XXIX, 13). La obra también es conocida como la Transverberación de Santa Teresa de Ávila. El término transverberación proviene del latín "trans verberare", es decir, atravesar. Según la interpretación mística católica, Cristo o un ángel atraviesan físicamente con un objeto afilado el corazón del fiel. El dardo, por lo tanto, que lanza el querubín es el símbolo del amor divino. Bernini realiza una escenificación de gran teatralidad en pleno estilo barroco.
Los frescos de Rafael en Villa Farnesina, Roma
La Villa Farnesina de Roma es un palacio emblemático de la arquitectura renacentista del primer Cinquecento, pintado por los más grandes artistas de la época. En particular, la Logia de Amor y Psique es la obra maestra de Raffaello Sanzio que pintó en el techo un ciclo de frescos inspirados en las vicisitudes de Amor y Psique, extraído de Las metamorfosis, o El asno de oro de Apuleyo.
Concebida como un lugar de ocio y deleite que daba hacia el jardín, la logia constituía la entrada principal de la villa trasteverina del rico mercader y banquero senés Agostino Chigi. En la logia, Rafael expresa un nuevo concepto de decoración pictórica, realizando una perfecta osmosis entre el interior y el exterior, tanto a través del planteamiento figurativo de toda la bóveda con la fábula de Amor y Psique, como a través de la técnica ejecutiva de los festones de Giovanni da Udine. Así, la logia abierta al jardín se transforma en un único pergolado vegetal que celebra la historia de amor narrada por el mito.
Los mosaicos de la Capilla Palatina - Palacio de los Normandos, Palermo
La Capilla Palatina es una basílica de estilo normando-bizantino que se encuentra dentro del complejo arquitectónico del Palacio de los Normandos en Palermo. Construida en 1130 por voluntad del rey Ruggero II, la Capilla Palatina se caracteriza por la mezcla de estilos latino, bizantino y árabe, representando la síntesis cultural y política realizada por los normandos en Sicilia. Patrimonio de la Unesco, la capilla está incluida en el recorrido del Palermo árabe-normando y es un lugar mágico que hay que ver al menos una vez en la vida. Lo que realmente te dejará sin palabras son los mosaicos de la Capilla Palatina, entre los más importantes de Sicilia y los más bellos de Italia. Obra de artistas locales y griegos, los mosaicos originales de escuela bizantina están inspirados en el Génesis, en la vida de Cristo y de los apóstoles Pedro y Pablo, en los santos, ángeles y profetas, en un triunfo de luz que nace de millones de teselas doradas. Aunque predominantemente de tema religioso, los mosaicos también contienen escenas profanas y representaciones de flora y fauna. Probablemente son las únicas testimoniales tan extensas que han llegado hasta nosotros de mosaicos profanos de escuela bizantina.
Autor: Francesca Ferri
Foto Artículo: © Franco Origlia/Getty Images