Caravaggio en Italia, las obras más bellas que ver

Hoy en día, es considerado uno de los más grandes intérpretes del arte occidental de todos los tiempos, pero fue durante mucho tiempo olvidado. Michelangelo Merisi, conocido como Caravaggio, se ha hecho famoso en todo el mundo por sus obras realistas, dramáticas y provocadoras.

El pintor milanés revolucionó la historia del arte con su búsqueda del naturalismo y su técnica del claroscuro. Hoy, sus pinturas se conservan en los principales museos del mundo, como el Louvre en París, el Prado en Madrid, el Ermitage en San Petersburgo, pero numerosas obras también están expuestas en muchos museos, iglesias y capillas de Italia.

Aquí es donde ver las obras más bellas de Caravaggio en Italia.

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La pintura forma parte de la serie juvenil de media figura pintada por Caravaggio "en claro", que incluye obras como el Frutero, expuesto en la Galería Borghese de Roma, el Niño mordido por el lagarto de la Fundación Longhi de Florencia, la Canasta de frutas de la Pinacoteca Ambrosiana de Milán. Caravaggio, protagonista en Roma en la primera década del Seiscientos de una revolución en pintura que invadió toda Europa, ostenta en esta obra una magistral representación naturalista del mundo vegetal. Sorprendente es la representación de la cesta de frutas y de la copa de vino ofrecida por el Dios, entendida por algunos estudiosos como una invitación horaciana a la vida frugal, a la convivialidad y a la amistad.

La escultural figura de Baco con expresión aturdida por el vino, está inspirada en los modelos del arte clásico, en particular en los retratos de Antínoo, y parece impregnada de una languidez sensual. Mina Gregori ha interpretado en ella una particular visión de la antigüedad que aboga por la libertad de los sentidos y una referencia a los ritos iniciáticos y a los disfraces bacanales que se practicaban en Roma. Esta obra data de la juventud del pintor, cuando se encontraba en Roma bajo la protección del cardenal Francesco Maria del Monte. Esta pintura, junto con la Medusa, fue donada por el Cardenal del Monte a Ferdinando I de' Medici con motivo de la celebración de la boda de su hijo Cosimo II en 1608.

(Foto: © Takashi Images / Shutterstock)

La pintura fue realizada con mucha probabilidad en Nápoles, donde Caravaggio, fugado de Roma en 1606, se encontraba en exilio por la acusación de homicidio. La obra representa la victoria del héroe de Israel sobre el gigante filisteo Goliat. Sin embargo, David no muestra una actitud triunfante mientras sostiene y observa la cabeza cortada de Goliat; su expresión es más bien de piedad hacia ese "pecador", en cuyo rostro Caravaggio habría representado su propio autorretrato. La descripción del rostro de Goliat, tan vívidamente expresiva en la frente arrugada, la boca abierta por el último aliento, la mirada sufriente, el cutis yacente, representa el resultado del drama humano vivido por el artista. La inscripción que aparece en la espada "H.AS O S" ha sido interpretada por la crítica con la máxima agustiniana Humilitas occidit superbiam. El episodio bíblico se convierte así en un impresionante testimonio de los últimos meses de vida de Caravaggio, haciendo plausible la hipótesis según la cual el pintor habría enviado el lienzo al cardenal Scipione Borghese, como regalo para ser entregado al papa Pablo V a fin de obtener el perdón y el regreso a casa. La gracia fue concedida, pero Caravaggio, casi al término del viaje de vuelta a Roma, murió en la playa de Porto Ercole por circunstancias aún misteriosas.

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(Foto: © Franco Origlia/Getty Images)

Es probablemente la obra más célebre presente en la colección del cardenal Federico Borromeo, núcleo original de la Pinacoteca Ambrosiana, y es justamente considerada una especie de prototipo de la "naturaleza muerta". La pintura representa una canasta de mimbre de la que se desbordan frutas y hojas, ejecutadas con gran realismo y cuidado del detalle.

En varias ocasiones, el fundador de la Pinacoteca Ambrosiana habla de esta extraordinaria pintura en sus escritos y afirma haber buscado en vano una obra que pudiera compararse a ella, pero esta "por su incomparable belleza y excelencia, permaneció sola". De la Canasta de frutas se han dado muchas interpretaciones, incluso de carácter religioso: indudablemente, el extremo realismo con el que se han agrupado las frutas frescas y las que ya están pasadas, y las hojas que se secan y se arrugan progresivamente, representan el inexorable paso del tiempo.

Caravaggio representa a la legendaria Medusa que con solo una mirada puede transformar a los hombres en piedra, y lo hace en un escudo de exhibición, típico del Quinientos. La cabeza de Medusa aparece separada del cuerpo, por mano de Perseo. Su expresión es plena de pathos, ya que la figura mitológica es captada en el momento del grito. Cabe destacar el realismo del maestro en el salpicón de sangre y en la representación de las serpientes, que forman la cabellera de Medusa. Lo que más sorprende es la habilidad de Caravaggio para transformar la convexidad del escudo en una aparente concavidad.

Chico mordido por un lagarto es una pintura al óleo de la que existen dos versiones casi similares. La primera, conservada en la Fundación Longhi en Florencia, es seguramente obra del pintor italiano Caravaggio. La segunda, conservada en la National Gallery de Londres, es probablemente obra en gran parte de un alumno. La pintura representa a un chico en una posición descompuesta, con una expresión de dolor y sorpresa a la vez, mientras es mordido por un lagarto. Muchos han querido ver en esta obra referencias al placer y a las penas del amor: la rosa entre los cabellos del chico, el hombro derecho descubierto, las cerezas y el jazmín blanco serían símbolos. También cabe destacar el reflejo en la jarra de vidrio, que remite a la fidelidad óptica a lo real, desarrollada en la escuela lombarda a la estela de los estudios leonardescos.

Entre las fuentes de inspiración más acreditadas, el boceto Asdrúbale mordido por un cangrejo o Asdrúbale mordido por un camarón de Sofonisba Anguissola, datado en 1554, que fue enviado al artista durante uno de los correos con el padre de la pintora.

(Foto: © MIGUEL MEDINA/AFP via Getty Images)

La obra fue la primera encomienda sagrada y pública de Caravaggio y, sin embargo, es considerada uno de sus mayores logros. Se encuentra en la pared izquierda de la capilla Contarelli de la iglesia de San Luis de los Franceses en Roma. La pintura se inspira en el episodio del Evangelio de Mateo y representa el momento en que Cristo, acompañado por San Pedro, señala a Mateo y lo invita a seguirlo. Mateo está, como en una escena de taberna, sentado a una mesa con un grupo de otros comensales, vestidos según la moda contemporánea, ocupados en contar dinero. Para enfatizar la dramaticidad del momento y concentrar la atención del observador en los protagonistas, Caravaggio sumerge la escena en una densa oscuridad de la cual, gracias a repentinos destellos de luz, emergen rostros, manos, gestos, actitudes, haciendo casi invisible todo lo demás. Es evidente, más que en otras obras, la técnica del claroscuro de la que Michelangelo fue maestro. La verdadera protagonista de la obra, por lo tanto, es la luz que, proveniente de las espaldas de Cristo como Gracia divina, inunda a los hombres, quienes sin embargo parecen permanecer libres de elegir si adherirse o no al proyecto divino. Solo algunos de los personajes bañados por el rayo de luz, los destinatarios de la "llamada" junto a Mateo, se muestran atraídos por la figura de Cristo, mientras que otros están distraídos por ocupaciones terrenales. Con gran asombro, San Mateo señala hacia sí mismo como si pidiera a Cristo la confirmación de que el elegido es precisamente él.

(Foto: © Lucas Schifres / Getty Images)

En esta tela expuesta en la Capilla Cerasi de la Basílica Santa María del Pueblo de Roma, Caravaggio representa la escena narrada en los Hechos de los Apóstoles, es decir, el momento en que Saulo de Tarso, un soldado romano montado a caballo, fue fulminado en el camino a Damasco por una luz extremadamente fuerte. Se trataba de Cristo que, rodeado de un halo luminoso, le dijo al soldado que abandonara su vida de soldado y que no persiguiera más a los cristianos.

Caravaggio, por lo tanto, no representa a Cristo, excepto a través de una simple e intensa luz, y deja emerger la conversión de Saulo a través de sus ojos cerrados y sus manos extendidas hacia arriba. Caravaggio se mantiene, como siempre, adherente a la realidad.

Caravaggio pintó la Cena en Emaús entre 1605 y 1606, probablemente en Paliano, feudo de los Colonna, a donde se había refugiado tras haber matado a Ranuccio Tomassoni. Hay dos obras sobre el mismo episodio del Evangelio de Lucas, esta conservada en la Pinacoteca de Brera en Milán y una segunda que hoy se encuentra en la National Gallery de Londres. La representación de la mesa cubierta por una alfombra es un motivo típico de Caravaggio y que une ambas versiones. Sin embargo, a diferencia de la pintura de la National Gallery, esta de Milán se caracteriza por una mayor intimidad y esencialidad cromática, junto con un uso dramático y teatral de la luz que resalta la sacralidad del momento.

(Foto: © Mondadori Portfolio/ Getty Images)

Es una de las obras más audaces y enigmáticas de Caravaggio. En una sola gran tela, encargada por el Pio Monte della Misericordia de Nápoles, se representan las seis obras de misericordia anunciadas por Cristo en el Evangelio de Mateo, a las que se suma el entierro de los muertos.

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Caravaggio representa con gran realismo un entrelazado de personajes inspirados en gente de la calle, dispuestos en una compleja composición de gran teatralidad en la que todo es oscuridad y luz al mismo tiempo. La obra se convierte así en un punto de referencia para los pintores locales, ligados a una pintura devota y tardomanierista, abriendo la nueva temporada seicentista del naturalismo en Nápoles.

Tres personajes y un paño rojo en el fondo son suficientes para dar vida a un verdadero teatro de los contrarios: oscuridad y luz, vejez y juventud, vida y muerte, fuerza y fragilidad. Judith es una heroína del Antiguo Testamento, una joven viuda judía que salva a su pueblo del asedio del ejército asirio.

Finge querer aliarse con el enemigo y mata con sus propias manos al general Holofernes, después de haber sido recibida en el campamento con un espléndido banquete. La escena del asesinato de Holofernes por parte de Judith es una iconografía frecuente desde el 400, pero nunca se había representado con tal cruento espectacularidad. En la pintura de Caravaggio, la cimitarra está en pleno hendido, se ve la energía en las manos y en los miembros contraídos de Holofernes, su boca está abierta en un grito que está a punto de apagarse, el chorro de sangre aún no ha agotado su impulso, como si Caravaggio hubiera querido detener la acción en su desarrollo. La fuente de luz, arriba a la izquierda, ilumina por completo la esbelta figura de Judith, con la frente fruncida, en el esfuerzo de realizar el horrendo gesto; junto a ella se ve a la criada Abra. Esta importante obra de Caravaggio inaugura la fase de los fuertes contrastes entre luz y sombra. Encargado por el banquero Ottavio Costa, la pintura, sin embargo, se perdió por siglos, y fue redescubierto en 1951 por el restaurador Pico Cellini, casi por casualidad, en la familia que la poseía.

(Foto: © DEA / G. NIMATALLAH / Getty Images)

La obra es considerada hoy en día uno de los capolavores de Caravaggio, pero en el pasado, el estado de conservación, el fuerte dominio oscuro y la técnica de aplicación esencial han suscitado muchas dudas sobre su autoría. Encargada por el comerciante genovés residente en Messina, Giovanni Battista de' Lazzari para la iglesia de los Padres Crucifijos, la pintura representa la resurrección de Lázaro, como se relata en el Evangelio de Juan. Dos figuras dominan la escena: Jesús, de pie, con un gesto del brazo que recuerda a la Vocación de San Mateo, y Lázaro, sorprendido en el gesto de estirarse para despertar del sueño eterno. Al mismo tiempo, sin embargo, el cuerpo de Lázaro también representa la cruz, símbolo de muerte y resurrección de Jesús.

Alrededor de Lázaro se ven las dos hermanas Marta y María reunidas en un gesto de amor. En segundo plano, se destaca el autorretrato del pintor. Es una obra que revela la gran madurez de Caravaggio, que ahora exhibe todos los secretos de su arte, desde la gran capacidad de transmitir estados de ánimo hasta la teatralidad y el claroscuro.