Caravage en Italie, les plus belles œuvres à voir

Aujourd'hui, il est considéré comme l'un des plus grands interprètes de l'art occidental de tous les temps, mais il a longtemps été oublié. Michelangelo Merisi, dit le Caravage, est connu dans le monde entier pour ses œuvres réalistes, dramatiques et provocatrices.

Le peintre milanais a révolutionné l'histoire de l'art par sa recherche du naturalisme et sa technique du clair-obscur. Aujourd'hui, ses tableaux sont conservés dans les principaux musées du monde, comme le Louvre à Paris, le Prado à Madrid, l'Ermitage à Saint-Pétersbourg, mais de nombreuses œuvres sont également exposées dans les nombreux musées, églises et chapelles d'Italie.

Voici où voir les plus belles œuvres de Caravage en Italie.

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Ce tableau fait partie de la série juvénile des demi-figures peintes par Caravage > qui inclut des œuvres comme le Fruttaiolo, exposé à la Galerie Borghèse de Rome, le Garçon mordu par le lézard de la Fondation Longhi de Florence, le Panier de fruits de la Pinacothèque Ambrosiana de Milan. Caravage, protagoniste à Rome dans la première décennie du XVIIe siècle d'une révolution en peinture qui a envahi toute l'Europe, affiche dans cette œuvre une magistrale représentation naturaliste du monde végétal. La représentation étonnante du panier de fruits et de la coupe de vin offert par le Dieu, compris par certains érudits comme une invitation à mener une vie frugale, à la convivialité et à l'amitié.

La figure sculpturale de Bacchus avec une expression étourdie par le vin, s'inspire des modèles de l'art classique, notamment des portraits d'Antinoüs, et semble imprégnée d'une sensualité languissante. Mina Gregori y a vu une vision particulière de l'antiquité louant la liberté des sens et une référence aux rites initiatiques et aux déguisements bacchiques qui se pratiquaient à Rome. Cette œuvre remonte à la jeunesse du peintre, lorsqu'il était à Rome sous la protection du cardinal Francesco Maria del Monte. Ce tableau, avec la Méduse, a été offert par le Cardinal del Monte à Ferdinand I de' Medici à l'occasion de la célébration des noces de son fils Cosimo II en 1608.

(Photo : © Takashi Images / Shutterstock)

Le tableau a été exécuté probablement à Naples, où Caravage, fuyant Rome en 1606, était en exil sous l'accusation de meurtre. L'œuvre représente la victoire de l'héros d'Israël sur le géant philistin Goliath. Cependant, David ne manifeste pas une attitude triomphante en tenant et en observant la tête coupée de Goliath ; son expression est plutôt de la pitié envers ce >, dont le visage serait le propre autoportrait de Caravage. La description du visage de Goliath, si expressivement vive dans le front plissé, la bouche ouverte pour son dernier souffle, le regard souffrant, le teint cadavérique, montre le résultat du drame humain vécu par l'artiste. L'inscription qui figure sur l'épée > a été interprétée par la critique avec la devise augustinienne Humilitas occidit superbiam. L'épisode biblique devient donc un témoignage impressionnant des derniers mois de la vie de Caravage, rendant plausible l'hypothèse selon laquelle le peintre aurait envoyé la toile au cardinal Scipione Borghese, comme cadeau à remettre au pape Paul V pour obtenir le pardon et le retour au pays. La grâce fut accordée mais Caravage, presque à la fin de son voyage vers Rome, mourut sur la plage de Porto Ercole pour des circonstances encore mystérieuses.

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(Photo : © Franco Origlia/Getty Images)

C'est probablement l'œuvre la plus célèbre présente dans la collection du cardinal Federico Borromeo, noyau originel de la Pinacothèque Ambrosiana, et elle est justement considérée comme une sorte de prototype de la >. Le tableau représente un panier en osier débordant de fruits et de feuilles, exécutés avec un grand réalisme et un soin du détail.

Le fondateur de la Pinacothèque Ambrosiana parle plusieurs fois de cette œuvre extraordinaire dans ses écrits et affirme avoir cherché en vain une œuvre pouvant rivaliser avec elle, mais elle était >. Le Panier de fruits a fait l'objet de nombreuses interprétations, y compris d'ordre religieux : sans aucun doute, l'extrême réalisme avec lequel les fruits frais et ceux déjà gâtés sont juxtaposés, ainsi que les feuilles qui se flétrissent progressivement, représentent le passage inexorable du temps.

Caravage représente la légendaire Méduse qui, d'un seul regard, parvient à transformer les hommes en pierre, et il le fait sur un bouclier de parade, typique du XVIe siècle. La tête de Méduse est représentée détachée du corps, par la main de Persée. Son expression est pleine de pathos, car la figure mythologique est capturée au moment du cri. À noter le réalisme du maître dans l'esquisse de sang et dans la représentation des serpents, qui forment la chevelure de Méduse. Ce qui surprend le plus, c'est l'habileté de Caravage à transformer la convexité du bouclier en une apparente concavité.

Garçon mordu par un lézard est un tableau à l'huile dont il existe deux versions presque identiques. La première, conservée à la Fondation Longhi à Florence, est sûrement une œuvre du peintre italien Caravage. La seconde, conservée à la National Gallery de Londres, est peut-être en grande partie l'œuvre d'un élève. Le tableau représente un garçon dans une position désordonnée, avec une expression à la fois douloureuse et surprise, tandis qu'il est mordu par un lézard. Beaucoup ont voulu lire dans cette œuvre des références au plaisir et aux peines d'amour : la rose dans les cheveux du garçon, son épaule droite dénudée, les cerises et le jasmin blanc en seraient des symboles. À noter également, le reflet sur la carafe en verre, qui renvoie à la fidélité optique à la réalité, développée dans l'école lombarde sur la base des études léonardesques.

Parmi les sources d'inspiration les plus créditées, il y a l'esquisse Asdrubal mordu par un crabe ou Asdrubal mordu par une écrevisse de Sofonisba Anguissola, datée de 1554, qui a été envoyée à l'artiste lors d'une des correspondances avec le père de la peintre.

(Photo : © MIGUEL MEDINA/AFP via Getty Images)

L'œuvre fut la première commande sacrée et publique de Caravage et est pourtant considérée comme l'un de ses plus grands chefs-d'œuvre. Elle se trouve sur le mur gauche de la chapelle Contarelli de l'église de San Luigi dei Francesi à Rome. Le tableau s'inspire de l'épisode de l'Évangile selon Matthieu et représente le moment où le Christ, accompagné de Saint Pierre, pointe du doigt vers Matthieu et l'invite à le suivre. Matthieu est, comme dans une scène de bistrot, assis à une table avec un groupe d'autres convives, habillés selon la mode contemporaine, occupés à compter de l'argent. Pour accentuer le drame du moment et concentrer l'attention de l'observateur sur les protagonistes, Caravage immerge la scène dans une obscurité dense d'où, à travers des éclats de lumière, émergent visages, mains, gestes, attitudes, rendant presque tout le reste invisible. Il est évident, plus que dans d'autres œuvres, la technique du clair-obscur dont Michel-Ange fut maître. La véritable protagoniste de l'œuvre est donc la lumière, qui, provenant des épaules du Christ comme une grâce divine, inonde les hommes, qui semblent néanmoins rester libres de choisir d'adhérer ou non au projet divin. Seuls quelques personnages frappés par le rayon de lumière, destinataires de la "mission" avec Matthieu, se montrent attirés par la figure du Christ, tandis que d'autres sont distraits par des occupations terrestres. Avec grand étonnement, Saint Matthieu pointe le doigt contre lui-même comme s'il demandait à Christ confirmation que le choisi soit bien lui.

(Photo : © Lucas Schifres / Getty Images)

Dans cette toile exposée dans la Chapelle Cerasi de la Basilique Santa Maria del Popolo à Rome, Caravage représente la scène racontée dans les Actes des Apôtres, c'est-à-dire le moment où Saul de Tarse, un soldat romain à cheval, a été frappé sur la route de Damas par une lumière très vive. C'était le Christ qui, entouré d'un halo lumineux, dit au soldat d'abandonner sa vie de soldat et de ne plus persécuter les chrétiens.

Caravage ne représente donc pas le Christ, si ce n'est à travers une simple et intense lumière, et laisse émerger la conversion de Saul à travers ses yeux fermés et ses mains tendues vers le ciel. Caravage reste comme toujours fidèle à la réalité.

Caravage peignit la Cène à Emmaüs entre 1605 et 1606, probablement à Paliano, fief des Colonna, auprès desquels il s'était réfugié après avoir tué Ranuccio Tomassoni. Il y a deux œuvres sur le même épisode de l'Évangile de Luc, celle-ci conservée à la Pinacothèque de Brera à Milan et une seconde qui se trouve aujourd'hui à la National Gallery de Londres. La représentation de la table recouverte d'un tapis est un motif typique de Caravage qui relie les deux versions. En revanche, contrairement au tableau de la National Gallery, celui de Milan se distingue par une plus grande intimité et une essence chromatique, ainsi qu'un usage dramatique et théâtral de la lumière qui mettent en valeur la sacralité du moment.

(Photo : © Mondadori Portfolio/ Getty Images)

C'est l'une des œuvres les plus audacieuses et énigmatiques de Caravage. Sur une seule grande toile, commandée par le Pio Monte della Miséricorde de Naples, sont représentées les six œuvres de miséricorde annoncées par le Christ dans l'Évangile de Matthieu, auxquelles s'ajoute l'inhumation des morts.

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Caravage représente avec un grand réalisme un enchevêtrement de personnages inspirés de gens de la rue, disposés dans une composition complexe d'une grande théâtralité où tout est obscurité et lumière en même temps. L'œuvre devient ainsi un point de référence pour les peintres locaux, liés à une peinture dévote et tardivement maniériste, ouvrant ainsi une nouvelle saison séicento du naturalisme à Naples.

Trois personnages et un drap rouge en arrière-plan suffisent à donner vie à un véritable théâtre des contraires : obscurité et lumière, vieillesse et jeunesse, vie et mort, force et fragilité. Judith est une héroïne de l'Ancien Testament, une jeune veuve juive qui sauve son peuple de l'assaut de l'armée assyrienne.

Elle feint de vouloir s'allier avec l'ennemi et tue de ses propres mains le général Holopherne, après avoir été accueillie dans le camp avec un somptueux banquet. La scène de l'exécution d'Holopherne par Judith est une iconographie fréquente depuis le XVe siècle, mais elle n'avait jamais été représentée avec une telle spectaculaire cruauté. Dans le tableau de Caravage, le scimitar est en pleine descente, on voit l'énergie dans les mains et les membres contractés d'Holopherne, sa bouche est grande ouverte dans un cri qui est sur le point de s'éteindre, le jet de sang n'a pas encore épuisé son cours, comme si Caravage avait voulu bloquer l'action dans son déroulement. La source de lumière, en haut à gauche, investit entièrement la frêle figure de Judith, avec le front froncé, dans l'effort d'accomplir le geste horrible ; à ses côtés se trouve l'esclave Abra. Cette œuvre importante de Caravage inaugure la phase des forts contrastes entre lumière et ombre. Commandé par le banquier Ottavio Costa, le tableau a cependant disparu pendant des siècles, ne réapparaissant qu'en 1951 grâce au restaurateur Pico Cellini, presque par hasard, chez la famille qui en était en possession.

(Photo : © DEA / G. NIMATALLAH / Getty Images)

L'œuvre est aujourd'hui considérée comme l'un des chefs-d'œuvre de Caravage, mais par le passé, son état de conservation, la forte dominante sombre et la technique de superposition essentielle ont suscité de nombreux doutes quant à l'autographie. Commandée par le marchand génois, résident à Messine, Giovanni Battista de' Lazzari pour l'église des Pères Crociferi, le tableau représente la résurrection de Lazare, comme raconté dans l'Évangile selon Jean. Deux figures dominent la scène : Jésus, debout, dans un geste de bras qui renvoie à la Vocazione de San Matteo, et Lazare, pris dans le geste de s'étirer pour se réveiller du sommeil éternel. Simultanément, cependant, le corps de Lazare représente également la croix, symbole de mort et de résurrection de Jésus.

Autour de Lazare se trouvent ses deux sœurs, Marthe et Marie, réunies dans un geste d'amour. En arrière-plan, on remarque également l'autoportrait du peintre. C'est une œuvre qui révèle la grande maturité de Caravage, qui exhibe désormais tous les secrets de son art, de sa grande capacité à rendre les états d'âme à la théâtralité et au clair-obscur.